對多數平面設計師來說，設計工作往往從螢幕開始，也在螢幕上完成，但對平面設計師洪彰聯而言，螢幕上的畫面只是整個製作流程的一部分，從紙張、油墨，到燙金、UV 等後加工方式，最後作品如何真正「被做出來」，同樣是設計的一環。
洪彰聯的設計養成背景也與一般平面設計師不太一樣，他畢業於工業設計系，並非本科出身，卻從父親經營的招牌工廠接觸實體製作，從小就幫忙割字、拆帆布，一路走到今天，他的工作橫跨平面設計與印刷設計，身上沒有多餘的學院派包裝，多的是一份從實務戰場千錘百鍊而來的工匠底氣。
從「把畫面做好」到「想辦法把東西做出來」
洪彰聯目前接觸的工作相當多元，包括活動、展覽宣傳、企業年曆、專刊以及各種印刷相關製作，不過相較於大型企業識別等專案，他更習慣以個人型、專項型的工作方式接案，形容自己比較像一名資深的老師傅，遇到特定需求就調配工具來處理。
這也讓他的工作流程與單純的數位平面設計有所不同，一般數位設計可能是先思考概念，再透過軟體把畫面完成，但印刷設計必須先思考「這個東西最後要怎麼被做出來」。
「印刷設計其實是逆向工程，這就像做菜，你要先決定這道菜是用『蒸』的還是用『炸』的，再回推你需要什麼食材、用什麼刀工與調味。」洪彰聯直言，純數位載體只有點對點的螢幕顯示，但在實體世界裡，燙金有燙金的工法、UV 印刷有 UV 的眉角，油墨在不同紙質上的吸收率與乾燥時間截然不同，「你如果不懂後端工廠怎麼做，在電腦上畫得再漂亮，印出來也是一場災難。」
這種對實體作品的直覺，來自他童年在工廠積累的身體記憶，「我排版從來不算幾 pt（點），我都算毫米（mm）或公分。」洪彰聯笑著說，在早期的手作招牌時代，一公分就是一公分的厚度與裁切線，空間感是直接刻在雙手與雙眼上的，「如果跟我說 12pt 等於多少公厘，我還要換算半天；但你跟我講一公分，我腦中馬上就有精準的大小與距離。」
不過洪彰聯所熟悉的印刷環境，其實正在快速改變。他觀察到，自疫情後，平面印刷品的需求已經明顯減少，過去一場實體活動通常會有固定的宣傳品，海報、DM、導覽手冊幾乎是基本配備；現在則有越來越多活動直接透過社群與數位媒體宣傳。
「你可以不拿 DM，但是你一定有手機。」他用這個現象形容現代的數位投放。
面對如今需求銳減甚至全面數位化的市場，洪彰聯依舊堅守在印刷工藝的最前端，近年他為紙廠製作紙樣、替金箔廠規劃燙金樣冊，在看似夕陽的產業結構中，將印刷推向宛如「古蹟修復」般精雕細琢的專業專項。
所見即所得的真功夫：當螢幕成為油墨與黑階的度量衡
要把實體世界的材質精準還原到數位螢幕上，工具的選擇是決定設計成敗的關鍵起點，洪彰聯的工作室裡，螢幕始終是為了輸出與印刷而服務，洪彰聯提到，印刷需要面對大量的顏色與油墨轉譯，如果螢幕色域不足，在發印校色時就會產生認知落差。
要把實體世界的材質精準還原到數位螢幕上，工具的選擇是決定設計成敗的關鍵起點，洪彰聯的工作室裡，螢幕始終是為了輸出與印刷而服務，洪彰聯提到，印刷需要面對大量的顏色與油墨轉譯，如果螢幕色域不足，在發印校色時就會產生認知落差。
抓出「單色黑」與「多色黑」的微妙層次
螢幕對洪彰聯而言，不光是顯示器材，可以將其看做是設計與印刷之間的重要媒介。
「在印刷上，黑色有分單色黑（K100）和四色黑（CMYK 疊印），四色黑因為疊了多層油墨，印出來深邃、飽和；單色黑則相對乾淨、帶點灰調。」洪彰聯指出，過去許多螢幕在暗部細節上容易死黑一片，很難分辨疊印濃度與階調，「但這台 QD-OLED 的暗部層次非常清晰，我一眼就能看出四色黑與單色黑的深淺差異，甚至在螢幕上就能預判油墨的濃度比例。」
34 吋 21：9 比例，剛好能把工作放在一起
在排版實務上，洪彰聯最常面對的是長篇幅專刊、企業年曆與大量圖文對照的繁瑣工作，過去使用 16:9 螢幕或雙螢幕時，視窗切換與邊框斷層往往打斷創作思緒，而這台 34 吋 21:9 的超寬曲面螢幕，正好重組了他的工作流。
「排刊物改稿時，最需要的就是來回對照。」他示範自己最習慣的視窗配置：
- 左側：開啟文案與客戶需求清單，隨時核對校對字句。
- 中間：放置主力排版軟體 InDesign，以 1:1 或雙頁展開比例進行全局檢視與微調。
- 右側：開啟 Photoshop 或修圖工具，針對畫面中的素材即時微調去背、修色與對比。
「34 吋 21：9 的寬度剛好可以塞下三個完整的工作視窗，不用一直按快捷鍵切換，排版改字、修圖、對文案一氣呵成，效率提升非常多。」
在硬體連接上，這台螢幕配備雙 USB-C 連接埠，更提供高達 98W 的 Power Delivery 電力輸出，只需一條線即可同時搞定 MacBook Pro 的高功率供電與高畫質影像傳輸，讓工作桌面回歸純粹的乾淨俐落，內建 KVM 2.0 技術，最高支援三台裝置切換，讓設計師透過同一組鍵盤與滑鼠，即可在多台裝置之間靈活切換並拖放檔案，簡化跨裝置操作流程，滿足多裝置協作的工作需求。
至於螢幕的控制體驗，洪彰聯相當讚許 Mac 深度整合的 MSI M-Mate App，可直接從 macOS 桌面進行免按鍵的 OSD 螢幕設定與色彩同步，操作邏輯十分直覺。
此外，過去為了避光，往往得在螢幕周圍加上厚重的遮光罩，「這台螢幕雖然沒有加遮罩，但它的 DarkArmor 抗反射薄膜處理得非常好，表面同時具備耐刮擦特性，在一般工作室燈光下幾乎感覺不到刺眼眩光。」
設計師服務的不是自己，是這個時代
非視覺傳達本科出身的洪彰聯回憶起轉行平面的過程，顯得格外豁達，他甚至直言，平面設計的軟體操作門檻其實很低，「你把 Adobe 軟體打開，把右上角的小教學看完，學一個月大概就能操作得跟職業設計師差不多。」
「但真正的差距在於你的 Common Sense 與美感素養，那才是決定作品上下限的關鍵。」
如果說有什麼能力需要長期累積，洪彰聯認為，除了技術之外，更重要的是理解「現在的人到底喜歡什麼」，設計並不是一套永遠不變的公式，他觀察，很多設計的敘事方式其實與時代高度相關，過去行不通的東西，到了現在可能反而成立；相反地，過去被視為理所當然的視覺語言，也可能逐漸退流行。
「我們比較像在服務這個時代，時代需要什麼，我們提供這個東西。」
例如接到音樂祭活動，如果目標族群是 18 至 35 歲，就不能只用設計師自己的喜好判斷，而要去觀察這群人的穿著、流行文化，以及他們現在實際接觸到的視覺內容。他也觀察到，不同世代之間的視覺調性確實存在差異，90 年代成長的一代，受到當時的文化與美學影響，可能偏好比較強烈、硬派、有稜角的視覺；35 歲以下的年輕世代，則更常出現柔和、Soft 的視覺調性，這些差異未必代表誰比較好，而是不同時代留下來的美學印記。
就像他觀察到現在晚間到超商或街區玩 Pokémon 的人，很多已經不是小孩，而是大學生甚至成年人，對他來說，這正好反映了世代與流行文化的變化，有人從小跟著哆啦 A 夢長大，也有人一路跟著 Pokémon 長大，兩群人的視覺記憶自然不會完全一樣，「十年一個世代。」對設計師而言，理解這種時代差異，也許比背熟一套設計規則更加重要。
永遠保留一塊畫布，給自己做「純粹好玩」的實驗
採訪尾聲，洪彰聯隨手拿起手邊一張立體感強烈的印刷品，以及一份帶有傳統宮廟神將（三太子）意象的特殊圖紙，這並非哪家大客戶的商業案，單純是他近期與數位印刷廠合作測試新機台時，隨興玩出來的實驗。
「這是用新型數位直噴機台，一層一層把影像堆疊出立體厚度與觸感，你正面看可能看不出什麼內容，但側邊一點看、退遠一點看，整個立體效果與形體就浮現出來。」他笑說，自己也不知道這該定義成什麼產品，「但好玩啊！有時候幫朋友做東西，看到不錯的素材，我就拿來試試新工法、玩玩新材質。」
這或許也是洪彰聯與純數位設計最大的不同，當設計越來越容易停留在螢幕裡，他反而在意一件事情，也就是東西最後能不能被真正做出來。
對他來說，螢幕承擔的是一種預演成品的角色，設計師在畫面完成之前，就必須透過螢幕判斷色彩、材質與輸出後可能出現的差異，甚至預先想像作品真正落到紙張、包裝或其他實體媒材上的樣子，這種能力靠的不只是設備本身，也來自長年累積的經驗與判斷。數位工具越來越進步，能夠從螢幕畫面一路推想到最終成品，反而更能看出專業設計師真正的功力。
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